Heitor Villa-Lobos (1887–1959) construiu uma linguagem composicional pan-brasileira, na qual une as diversas culturas musicais de todas as regiões do Brasil. Nesse processo, incorporou temas do folclore, da música popular, das tradições indígenas, afro-brasileiras e da música de concerto europeia. Segundo Mário Raul de Morais Andrade (1893–1945), poeta, contista, cronista, romancista, musicólogo, historiador da arte, crítico e fotógrafo brasileiro, em seu livro Ensaio sobre a música brasileira, publicado em 1928, a construção de um gosto musical deve estabelecer diálogo com as manifestações musicais existentes no território nacional. Para o modernismo brasileiro, a cultura popular é uma fonte para a construção de uma identidade estética nacional.
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Diante disso, Villa-Lobos transformava temas do folclore brasileiro em procedimentos de transformação, desenvolvimento, sobreposição e recontextualização, para gerar o sentimento de pertencimento e de ancestralidade. José Miguel Wisnik (1948), professor, músico e compositor brasileiro, em seu livro Sem receita: ensaios e canções, lançado em 2004, observa que a modernidade musical brasileira se desenvolvia em meio a uma tensão produtiva entre tradição e inovação, entre a cultura letrada e as formas musicais populares. O pensamento musical villalobiano representa essa tensão, pois sua obra transforma elementos provenientes de diferentes estratos culturais em uma linguagem composicional inovadora. Essa característica pode ser observada nas Bachianas Brasileiras, compostas entre 1930 e 1945. Nessa série, ele estabelece um diálogo entre a tradição contrapontística do compositor, cravista, regente, organista, professor, violinista e violista alemão Johann Sebastian Bach (1685–1750) e elementos associados à complexidade da música barroca, à musicalidade e ao regionalismo brasileiro.
A Bachiana Brasileira nº 2 é um dos exemplos mais conhecidos dessa fase. Seu quarto movimento, O Trenzinho do Caipira, apresenta uma representação musical do movimento de uma locomotiva, combinando procedimentos composicionais de matriz erudita com ritmos, timbres e
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gestos sonoros associados ao imaginário brasileiro. A obra demonstra como Villa-Lobos poderia converter uma experiência cotidiana em matéria musical de robusta elaboração. O trem, símbolo da modernização e da transformação social, atravessa musicalmente uma paisagem que remete ao interior brasileiro, produzindo uma síntese entre modernidade tecnológica, cultura popular e linguagem de concerto. Obras como a série dos 14 Choros, compostos entre 1920 e 1929, apresentam uma técnica complexa de procedimentos rítmicos, melódicos e harmônicos associados à música popular urbana. O compositor desloca o choro, enquanto prática musical popular, para o espaço da composição de concerto, sem eliminar sua identidade rítmica e cultural. Essa operação contribui para a modernização da música brasileira ao incorporar práticas musicais nacionais e regionais.
Heitor Villa-Lobos compôs doze sinfonias, que revelam seu robusto domínio técnico e estabelecem um diálogo com a tradição erudita da música clássica europeia, mas são marcadas pela brasilidade do compositor brasileiro. Ele escreveu suas sinfonias em diferentes fases. O primeiro período (1916–1920) inclui as quatro primeiras sinfonias e a quinta, considerada perdida. A Sinfonia nº 1 (1916), intitulada O Imprevisto, inaugura esse ciclo. A Sinfonia nº 2 (1917), intitulada Ascensão, apresenta uma atmosfera de forte
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caráter melancólico. A Sinfonia nº 3 (1919), denominada Guerra, é marcada pelo emprego de dissonâncias e por uma linguagem musical associada à temática bélica. A Sinfonia nº 4 (1919), intitulada Vitória, desenvolve-se em torno da ideia de triunfo. O segundo período, iniciado a partir da década de 1940, corresponde à fase de maturidade sinfônica do compositor. Naquela fase, destaca-se a Sinfonia nº 6 (1944), intitulada Sobre a linha das montanhas, cuja composição foi inspirada nos contornos geográficos da paisagem brasileira, incluindo referências ao perfil do Pão de Açúcar. A partir dessa obra, Villa-Lobos amplia e aprofunda sua linguagem sinfônica, chegando à Sinfonia nº 12, sua última obra do gênero. Desse modo, o conjunto das sinfonias de Villa-Lobos evidencia a síntese entre a tradição sinfônica europeia e a busca por uma linguagem musical brasileira, característica fundamental de sua produção artística.
Os poemas sinfônicos de Heitor Villa-Lobos destacam-se pela forte inspiração na natureza, no folclore e na temática indianista da cultura brasileira. Entre essas obras, encontram-se:
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— Amazonas (1917), um bailado indígena brasileiro que retrata a grandiosidade e a força da floresta amazônica, bem como seus mitos e suas sonoridades indígenas, por meio de uma textura orquestral densa, rica e inovadora;
▪️ Uirapuru (1917) é um bailado que retrata o ambiente da selva amazônica e a mitologia indígena relacionada ao deus do amor, conhecido como Uirapuru. A narrativa começa em uma floresta tranquila, onde uma jovem indígena ouve o canto maravilhoso da ave, apaixona-se por ela e passa a persegui-la. O pássaro transforma-se em um belo jovem indígena, mas é ferido, por ciúmes, por um pretendente rejeitado. Após sua morte, retorna à forma de pássaro e voa para a imensidão da mata;
▪️ Mandú-Çárárá (1940) é um bailado inspirado em lendas ameríndias do rio Solimões, no Amazonas. A obra apresenta trechos cantados em Nheengatu, língua geral amazônica também conhecida como tupi moderno, e reúne orquestra, coro misto adulto e coro infantil;
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▪️ Erosão (1950), subtitulada Origem do Rio Amazonas, descreve a ação da água e do tempo sobre as montanhas e o solo, recorrendo a elementos de uma lenda amazônica. A obra apresenta uma linguagem orquestral densa;
▪️ Rudá (1951) é um balé inspirado na tradição tupi, na qual Rudá é associado ao deus do amor e das afeições, além de estar relacionado às tradições ameríndias e ao imaginário das culturas pré-colombianas. A obra é estruturada de modo a apresentar diferentes civilizações indígenas da América, entre elas os maias, os astecas e os incas. Musicalmente, destaca-se pelo uso expressivo de uma ampla seção de percussão e pela presença de ritmos complexos, características marcantes da linguagem de Villa-Lobos ao transpor o imaginário indígena e folclórico para o universo da música de concerto.
Segundo o artista plástico, crítico de música, escritor e jornalista brasileiro Enio Squeff (1943) e José Miguel Wisnik (1948), músico, compositor, ensaísta e professor brasileiro, em seu livro O nacional e o popular na cultura brasileira: música, publicado em 1982, a música brasileira do século 20 esteve marcada
José Miguel Wisnik
pela relação entre nacionalismo e modernidade. Villa-Lobos responde a esse problema de maneira particular: em vez de buscar uma linguagem exclusivamente europeia ou exclusivamente folclórica, constrói uma estética de síntese, na qual diferentes referências podem coexistir. Também é necessário considerar sua atuação no campo da educação musical, por meio do projeto do canto orfeônico, especialmente durante o período em que esteve à frente das políticas educacionais do governo do ex-presidente do Brasil Getúlio Vargas (1882–1954). O pensamento musical villalobiano revela que a identidade musical é uma construção histórica, produzida pelo encontro entre a música de concerto e a música popular.
